时装分解图解时装分解图解视频

艾丽游戏ing 2023-11-19 20:41 1

时装插画实物-时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程

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时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

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时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一.时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个的人们的着装而着迷。印制了说明不同阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解时尚的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三.二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国杂志《宪报》(Gazettedubonton)于12年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领物,为的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与才埃特(Erte)签订了合同,该合同从15年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从10年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。

四.时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的,Vogue杂志在1936年说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五.时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(19)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六.今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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时装人体也被称为“草图”人体,是基本的时装体形,我们可以在画出人体的基础上设计服饰或绘制平面图,这也是时装插画的起点。

勾画时装人体草图

首先,必须要先熟悉比例的一些规则。

时装人体强调身体的部位和人物的某种姿态用“头长”来计量,每个头长代表1英寸。正常情况下时装人体基本是10头长的,但不代表9或11头长就完全不正确了,更多时候是需要根据绘制的服饰特点来决定。比如宽松的衬衫,大衣袖或大领子,而且有很多紧身胸衣的细节时,可能要有更长的腰部和脖子;如果是夸张的蝙蝠袖,手臂应该更长一些。如果是裙子,就需要腿部更长一些。

不同的服饰需要不同的焦点,不同的焦点需要不同的夸张画法。

下面以10头长人体举例:

1.在纸上画一条垂直线,然后等分成10个区间。最顶端的线为0,端的线为10。

每条线都代表着人体不同的部位。

2.头部:在0~1之间,画一个椭圆。下巴正好位于线条1上。

5.腿部:从臀部两端分别画一条逐渐收细的直线,从4~10。

6.脚部:在腿部下端外侧分别画一个三角形。三角形的底边为脚趾,在线条10上,三角形顶点为脚踝。

7.手臂:在肩线位置分别向下画逐渐收细的线条至手腕处。

8.手部:用矩形和三角形粗略画出手部,指尖在线条5上。

现在已经画出一个粗略的基本人体了。

9.修匀人体的各部位。(头部,脖子与肩部自然衔接,腋窝到腰部,上臀围的线条,臀部,胯部到脚踝,双脚,手臂)

关于时装人体理想的体型比列问题,其实需要灵活看待,并且还要接受时装的变化。某个年代看起来完美的东西,在另一个年代看起来可能会特别奇怪。比如用现在的标准来看20世纪50年代的梦露,可能很多人会觉得她有点胖~

以下标准决定了某个时代的“完美”时装人体:

那个时代的模特或名人

总体来说时装人体必须比普通人体更高一些,这样才能更好的展示时装,在照片或者艺术作品中凸显时装的效果。

感谢你常来!

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当下最红、最引人注目的时尚插画在此！

当红时尚插画师HelenDownie作品

时尚插画作为元老级视觉传达媒介,在新时代不仅没有停止发展,更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品,你知道几个?

时尚插画的黄金时代

早期,时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说,那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。

Harper'sBazaar杂志封面

时尚插画与时尚品牌的碰撞

到了数码时代,摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结,但时尚插画行业并未因此沉睡,而是朝着新方向不断发展、进化着。

时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。作为时下话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。

HelenDownie作品

虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。

HelenDownie作品

然而,这并不是次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。

AlexMerry作品

除此之外,还将插画作品中的产品制作出来售卖,让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面,观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出,时尚插画的风格早已不再单一。

AlexMerry作品

说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。

JamesJean与OliverSchrauwen作品

此次,JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品,就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。

与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。

JamesJean作品

同年在Prada的女装秀上,品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师:SlarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。

她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外,还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时,也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。

时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。

GraceCoddington作品

先锋时尚插画

除了与时尚品牌跨界合作外,还有一些职业时尚插画师坚持着进行创作。他们在掌握插画基本技法的同时,将时尚插画的绘画形式进行延展、探究,揣摩出了自成一派的风格。

先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条,与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出,他一直奉行着现代主义的美学理念。

VelwynYossy作品

而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。

他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合,用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大,赋予了静态为主的时尚插画几分动势。

ErnestoArtillo作品

他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上,而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说:“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样,我会寻找当中的平衡,也会找寻怎么可以打破现有的状态。”

ErnestoArtillo作品

纵使时尚插画的黄金时期已逝去,但不可否认的是,时尚插画依然在时尚领域占有一席之地,并同时饱含极高的艺术价值。

JamesJean动态时尚插画作品

了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品,大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡,也许就是你。

精彩回顾:

[编辑、文/陈卓]

dnf分解有期限的时装能获得徽章吗

要想功夫深铁杵磨成针～

dnf分解有期限的时装不能获得徽章。

4.腰臀:从肩膀两端(肩线)分别向下画一条线到腰线位置,腰部宽度大约为头长的3/4。从腰身两端(腰围线)分别画一条线到臀部(臀部点4),臀部宽度大于头长和腰部,小于肩宽。

dnf玩家可以直接进行物品的交换，也可以进行摆摊。在交易中，需要买卖双方确认后才能成交，只要是非绑定的物品或金钱都能够交易（任务物品除外）；而在摆摊中不能进行物品与物品之间的交换，只能使用游戏交换物品，所以摆摊就类似“一口价”的玩家商店，买家看中物品后直接就能购买。

每日任务：如名所示，每天只能接受一次，通过完成这种任务，可以得到可交易的材料或可用于换神器装备的不可交易的任务材料。

扩展资料

DNF延续了街机横版格斗的模式，并将爽，打击感发挥到及至。再结合RPG的大量元素，使得《DNF》中的战斗拥有极高的可玩性，耐玩性。

等级到达20的玩家，都可以通过完成亚贝罗处的副职业任务，习得一种非战斗技能的能力。

附魔师、炼金术师、分解师、控偶师都具有特殊的生产、附加能力。

分解师是能够开设分解商店，拥有像诺顿一样分解技能的副职业。

附魔师是可以使用材料和附魔卡，给武器、防具、饰品等装备附加属性的副职业。

dnf分解有期限的时装不能获得徽章，有无限期的时装才能分解。

时装分解方法：

首先要分解时装的话我们需要找到达芙妮,在达芙妮那里可以分解时装，不过只能分解的时装，有时间限制的时装是不能分解的。

打开时装重铸机窗口。

点击重铸按钮，选择要分解的时装。

点击确定，即可完成分解。

分解不同时装获得不同徽章：

分解普通装扮获得：华丽徽章×2

分解高级装扮获得：华丽徽章×3

节日装扮等同于高级装扮

分解稀有装扮（天空）获得：灿烂徽章×1or2+随机徽章×1or2（有几率出1个双色或者白金）

分解皮肤：华丽×2

只有无限期的时装才能分解，属性随机，其实刷图捡的足够了，分解一个高级时装得15属性，刷图爆的10，就多了5点，却分解了十几二十块的买的时装，肯定不值得，当然你钱多没办法，还有微章可以合成，要合出你想要的不难，多打点微章吧！在达芙妮那里合，相同颜色可以合出同颜色但属性不同的微章，不同颜色也可以合，但是合出来颜色是随机的，其实很简单的，多点玩就懂了，祝你好运！

不可能的，分解也只能分解无期限的、有期限的还不能分解

有期限是时装不能分解

DNF里面各种颜色的装备分解能得到什么？求解，越详细越好。包括时装。那些分解的东西能交易也说下？

3.至于背景还是看你想体现什么,用暗色的背景可以烘托角色本身,整体构图把周围压暗下去,把你想要表达的视觉部分亮出来,目前看来应该是角色的手部到头部这一代区域,以整体构图圆形为基本把周围全部按下去,

白色装备只能分解到无色，蓝色装备可以分解到无色加各色的晶体运气好可以一下分解到各色晶体其中一个的200多个。紫色装备可以分解的无色和下级元素结晶。粉色装备可以分解到无色和上级元素结晶，橙色装备可以分解到无色和灿烂的宇宙灵魂。灿烂可以换挑战书或者橙色的武器在歌兰蒂斯那换。如果觉的我的回答满意。请采纳，谢谢。

白装分解成无色！蓝装分解成无色和有色金体（除金色），紫色分解出无色和下级元素结晶，红装分解成无色和混沌魔石，史诗分解成无色和灿烂或者透明！时装分解成闪耀或者灿烂的宝石！灿烂是天空才能分解出来的，不能交易……纯手打！望采纳！

白，青，各种小晶到达芙妮（天空之城门口）那边分解，可以分出徽章，付在装备上的，但徽章本身是无法交易的。两个徽章可以重置徽章属性。分完无法还原，请慎重！体（除了金色）。紫色装备，各种小晶体（除了金色）和元素结晶。粉色装备，各种小晶体（除了金色）和高级元素结晶。史诗装备不清楚，没分解过……

如果你是去诺顿分解的，你就会得到无色知各种小晶体，而白色的只会得无色，时装分解是在达芙妮那分解，得到的是华丽什么的忘了名字微章

dnf分解时装多选快捷键是什么

合身的服饰和内衣或者其他装饰,或没有装饰

DNF是一款非常受欢迎的游戏，其中时装是玩家们非常喜欢的一种装备。然而，当你拥有多种时装并想要分解它们时，手动一个一个选中会非常繁琐，这时候就需要使用分解时装多选快捷键。

在DNF中，分解时装多选快捷键是“Ctrl+左键”。也就是说，当你想要分解多个时装时，只需要按住Ctrl键并用鼠标左键点击要分解的时装即可选中多个时装。这样就可以大大地提高时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。分解时装的效率，让你更快地获得分解所得的材料。

此外，DNF还提供了其他的快捷键，如“Shift+左键”可以用来快速购买物品，“Shift+右键”可以用来快速出售物品等等。这些快捷键不仅能够提高游戏效率，还能让游戏更加轻松愉快。

总之，DNF中分解时装多选快捷键为“Ctrl+左键”，这是一个非常实用的功能，可以让玩家更加方便地分解时装，同时也提高了游戏的效率和乐趣。

男时装插画-时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程

当下最红、最引人注目的时尚插画在此！

当红时尚插画师HelenDownie作品

时尚插画的黄金时代

Harper一般来说,插画与其他纯艺术的分野之处不只在于有文字的叙说性,其背后目的还有具体的商业市场和特定对象,所以插画较纯艺术来说,更有着视觉传达的大众传播性。'sBazaar杂志封面

时尚插画与时尚品牌的碰撞

时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。作为时下话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。

HelenDownie作品

虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。

HelenDownie作品

然而,这并不是次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。

AlexMerry作品

说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。

JamesJean与OliverSchrauwen作品

与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。

JamesJean作品

时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。

GraceCoddington作品

先锋时尚插画

VelwynYossy作品

而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。

ErnestoArtillo作品

纵使时尚插画的黄金时期已逝去,但不可否认的是,时尚插画依然在时尚领域占有一席之地,并同时饱含极高的艺术价值。

JamesJean动态时尚插画作品

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精彩回顾:

[编辑、文/陈卓]

时装人体也被称为“草图”人体,是基本的时装体形,我们可以在画出人体的基础上设计服饰或绘制平面图,这也是时装插画的起点。

勾画时装人体草图

首先,必须要先熟悉比例的一些规则。

时装人体用“头长”来计量,每个头长代表1英寸。正常情况下时装人体基本是10头长的,但不代表9或11头长就完全不正确了,更多时候是需要根据绘制的服饰特点来决定。比如宽松的衬衫,大衣袖或大领子,而且有很多紧身胸衣的细节时,可能要有更长的腰部和脖子;如果是夸张的蝙蝠袖,手臂应该更长一些。如果是裙子,就需要腿部更长一些。

不同的服饰需要不同的焦点,不同的焦点需要不同的夸张画法。

下面以10头长人体举例:

1.在纸上画一条垂直线,然后等分成10个区间。最顶端的线为0,端的线为10。

每条线都代表着人体不同的部位。

2.头部:在0~1之间,画一个椭圆。下巴正好位于线条1上。

5.腿部:从臀部两端分别画一条逐渐收细的直线,从4~10。

6.脚部:在腿部下端外侧分别画一个三角形。三角形的底边为脚趾,在线条10上,三角形顶点为脚踝。

7.手臂:在肩线位置分别向下画逐渐收细的线条至手腕处。

8.手部:用矩形和三角形粗略画出手部,指尖在线条5上。

现在已经画出一个粗略的基本人体了。

9.修匀人体的各部位。(头部,脖子与肩部自然衔接,腋窝到腰部,上臀围的线条,臀部,胯部到脚踝,双脚,手臂)

以下标准决定了某个时代的“完美”时装人体:

那个时代的模特或名人

总体来说时装人体必须比普通人体更高一些,这样才能更好的展示时装,在照片或者艺术作品中凸显时装的效果。

感谢你常来!

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当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的代言人

大卫.唐顿DidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫.唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComr杂志设计的封面。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫.唐顿2001年为欧洲时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的。然而,次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是选择。”

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然而,这一点是较难做到的。

大卫画无数份的设计草样,

画得不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《》《报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫.唐顿2005年受Vogue(版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫.唐顿2007年受伦敦《》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

就要将能力修炼到!

冰雪复古重复的时装怎么分解

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

重复的时装可以分解获得衣服碎片。

龙之谷手游三件套分解

除了分解外，还可以对重复的衣服进行染色、进化等作。染色可以染成喜欢的颜色，进化需要收集3件以上的衣服进行进化，例如梦幻之恋就需要用3件进化

插画图文-时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程

从纽约到伦敦、米兰到上海,凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现,实属罕见,所以当艺术墙面的一发布,立刻就引起了网络上的一阵骚动。

插画设计中图文的搭配

▲草稿也动人

导语:插画设计应该做到让多元素的和文字在设计中和谐相融,而不是单独突出其中一项。下面是插画设计中图文的搭配技巧,欢迎参考!

我们在设计的时候应该考虑是将文字融入到图案当中,还是图案融入文字当中去,我们应该把他们看做一个整体,而不是分开的两项!插图设计作为设计作品的视觉图形要素,具体应用在某种设计媒体时,需要保持与文字协调一致。图形与文字在表达设计主题思想时各有其不同的诉求功能,应各司其职,共融一体。切不能各行其是,相互冲突或抵消,以致破坏了整体诉求效果。

图形作为一种形象化的语言表现手段,主要是以视觉形象化作用于人的视觉获得的效应,受众的心理来实现信息传递的,作为一种表现手段,它的主要职能在于运用其鲜明生动的形象性,抓住人们的视线,激发兴趣与欲望,让目标受众融于一种特定的感情氛围之中,从而在感情上发挥煽情的作用。比之于语言文字,视觉图形的表现优势主要在于其直观的形象性,真实的生活感和美的感染力。

图形具有生动的直观性和形象性的诉求力量,是设计作品构成要素中传达设计概念、形成设计作品性格的重要因素,它能美化设计版面,增强版面的吸引力,增加和丰富设计作品的审美情趣。

的插图设计作品应该具备下列各种诉求机能:

有吸引目标受众注意设计作品的“视觉效果”。

有传达设计内涵使目标受众理解的“阅读效果”。

有目标受众阅读设计文字的“诱导效果”。

有使目标受众信服的`“说服效果”。

(这是一幅家庭公益招贴设计,设计师巧妙的将中文字和图案融入在一起。并且以简单的文字进行说明)

文字主要立足于理性的说服,文字的介入有助于对目标受众对图形的观察和判断进行,同时也阐述了图形欲表达的概念和设计师的设计意图,对设计作品进行整体的诠释、说明,使目标受众信服。

平面设计

中占有不可忽略的地位。它的功能首先要能引人注意,获得目标受众的好感,然后诱发其潜在的需求欲望,促使其采取购买行动。

一则好的设计文字,应该符合下列基本要求:

目标明确。有明确的针对性,符合目标受众的心理需求,才能使设计作品具有说服力。

真实可信。对产品和服务的介绍坚持实事求是的原则,不言过其实,任意夸大,准确地反映产品和服务的特点和性能。

简明易懂。诉求内容单纯集中,词语简明扼要,表达确切,紧扣设计主题,重点突出,使目标受众在很短的时间就能一目了然地把握诉求的主题思想,获得完整清晰的印象。

生动形象。语言富于文采,生动别致,引人联想,亲切感人,有人情味和艺术情趣,具有打动人心的感彩,使人乐于接受。

图形与文字应该有机地配合,做到相得益彰,互为一体,不能各行其事,互不关联,相互割裂,使受众难以理解,要做到使受众见图懂文,见文知图,其总体效果应该是图形美观,文字清晰,发挥整体的诉求力量,具有一种引人入胜的魅力。

图形与文字在应用时的主次关系因设计主题表达的需要而有所不同,有时以文字表述为主,用图形烘托配合;有时以图形表现为主,用文字略加点明,但都为表达设计主题思想服务。在当今图像时代,图形在传播交流中日益受到重视,发挥着更为重要的作用,在设计表现上也占据着重要的地位。在许多平面设计作品中,以图形表现为主体已成为一种重要的发展趋势,设计作品中有的甚至一句表达设计概念,或设计图形没有文字,仍然能有效地传递设计的主题思想。

时装人体也被称为“草图”人体,是基本的时装体形,我们可以在画出人体的基础上设计服饰或绘制平面图,这也是时装插画的起点。

勾画时装人体草图

首先,必须要先熟悉比例的一些规则。

不同的服饰需要不同的焦点,不同的焦点需要不同的夸张画法。

下面以10头长人体举例:

1.在纸上画一条垂直线,然后等分成10个区间。最顶端的线为0,端的线为10。

每条线都代表着人体不同的部位。

2.头部:在0~1之间,画一个椭圆。下巴正好位于线条1上。

5.腿部:从臀部两端分别画一条逐渐收细的直线,从4~10。

6.脚部:在腿部下端外侧分别画一个三角形。三角形的底边为脚趾,在线条10上,三角形顶点为脚踝。

7.手臂:在肩线位置分别向下画逐渐收细的线条至手腕处。

8.手部:用矩形和三角形粗略画出手部,指尖在线条5上。

现在已经画出一个粗略的基本人体了。

9.修匀人体的各部位。(头部,脖子与肩部自然衔接,腋窝到腰部,上臀围的线条,臀部,胯部到脚踝,双脚,手臂)

以下标准决定了某个时代的“完美”时装人体:

那个时代的模特或名人

总体来说时装人体必须比普通人体更高一些,这样才能更好的展示时装,在照片或者艺术作品中凸显时装的效果。

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插画它指的是什么？

插画是将文字内容、故事或思想以视觉化的方式呈现。

也因此插画的应用十分广泛,凡书籍、杂志、报纸、说明书、、教科书等刊物,在文字中插入的装饰文案、绘画,都统称为插画。总地来说,插画是一种结合艺术创作与文字(非语言和语言)的艺术表现,有着“叙说”内在思维的传播性。插画可包括手绘插画、数码插画或Logo设计等等。

IllustratedBook指有插图的书,意指一本厚厚的书,里面有10张插图,图文并非完全连结,和每页插图具连贯性的绘本(PictureBook)不同。

插画(illustration)又称插图。此词的定义不一,解释繁多,就功能面陈述,插画是将文字内容、故事或思想以视觉化的方式呈现。

IllustratedBook指有插图的书,意指一本厚厚的书,里面有10张插图,图文并非完全连结,和每页插图具连贯性的绘本(PictureBook)不同。

插画的功能

1、诠释或加强文本的主题内容。

2、对于文学作品,能清晰地表达故事中的场景与角色。

3、对于教学图物,能将抽象概念具体化或实作的步骤图解,而利于学习。

4、将文本的内在情感图像化,直接与读者沟通交流。

什么是解构时装

那么，什么叫“解构”呢？“解构”这个词，单从字面上理解，一个“解”字意为“解开、分解、拆卸”；“构”字则为“结构、构成”之意。两个字合在一起引伸为“解开之后再构成”。“解构主义”（Deconstruction）一词正式出现在哲学范畴内应该是从1966年德里达在美国约翰·霍普金斯大学人文研究中心组织的学术会议上的讲演开始。当时36岁的德里达把矛头指向结构主义，对西方人几千年来所崇拜的确信无疑的“真理”、“思想”、“理性”、“意义”等打上问号。为了有助于理解“解构主义”，我们在这里必须对“结构主义”作以简要介绍。结构主义是本世纪前中期有重大影响的一种哲学思想。结构主义哲学所说的结构指的是“事物系统的诸要素所固有的相对稳定的组织方式或联结方式”（《大百科全书·哲学卷》）。结构主义强调相对的稳定性、有序性和确定性。然而结构主义的问题出在：没有任何结构是一成不变的。人们指出结构的稳定性是不存在的。例如人们欣赏一部文学作品，每个人会有不同的理解和联想，这样作品的静止结构在观者的欣赏中成了运动变化的东西。德里达从这种观点引发出去，大作文章，他指出语言系统的能指与所指是有偏颇的，是脱节的。正所谓“书不尽言，言不尽意”（《易·系辞上》）。因而，他开启了一个“解构主义的时代”。认为“传统的形而上学的一切领域，一切固有的确定性，所有的既定界线，概念、范畴、等级制度，在他看来都是应该被推翻的。”（包亚明《德里达解构理论的启示力》）

服饰,服装,时装,搭配,打扮,流行色 “解构主义哲学”的异端性使它具有激烈的冲击性和启发性，至使建筑业中的年轻设计师们率先举起了“解构主义”的大旗，做出了诸如外露的砖头、电线等。“那些模型都像是在搬运途中被损坏的东西”和“好像从空中观看出事火车的残骸”一样的作品。

与此同时，在服装业中，一群才气横溢的设计师们在自己的设计王国里不约同地▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。从事着“

解构”之造型的设计。在东方以三宅一生、川久保玲和山本耀司三位在70年代就已经进军巴黎市场的设计师为代表，他们以日本独特的文化背景为底蕴现在的时装都不可以分解了！改版了！，摆脱了以往的设计成规，向传统的西式服装、欧式观念挑战。三宅早在70年代就已经推出题为“一块布”的作品，整套服装像一块技在肩上的毯子，只有极少的开剪衔接，没有一处省道。这种完全松弛的风格对传统意义上的以不同位置收省的处理方法来塑造女性曲线的服装概念是一次强有力的挑战。接着在以后的二十几年里，他潜心于用褶裥处理服装的研究中。他的最成功之作PleatsPlease（我要褶皱），更是以它的结构简单造型流畅和面料与若隐若现的人体的完美结合征服了许多不同年龄和气质的女性，被她们广泛地采纳。那种限度释放女性身体的作法，与其说它是一种时装不如说是一种新的概念。其中包含了极为细致的只能意会而无法言传的涵义。

当然，不论年代的早晚，不论东方西方，最初的“解构”设计都只是设计师确立风格的体现。同时也在不同程度上拓宽了服装设计的方向，指引人们从更多种的角度去感受时装本身带给人的美感。而“解构主义”这个“酷”词之所以在近年来从哲学和建筑的条块里被引进到时装界，是因为人们已经注意到这种不同以往的时装，以及这种时装带给消费者的不同以往的乐趣。解构式样的服装反常规、反对称、反完整，超脱时装已有的一切程式和秩序，在形状、色彩、比例的处理上极度自由。有的地方故做残损状，缺落状，不了了之状，令人愕然，又耐人寻味。处理得好，令人有恰如其分缺陷美之感。比如从领口伸出一只袖子，可以随意扭曲缠绕于身体；用明暗对比的纱料相互反衬，展示长久以来非隐即藏的线迹和省道；在没有肌理的面料上人为地选择所需部分，缝出肌理，甚至填充体积。这样有趣的时装很容易被众人以游戏的方式轻松的认可。就连那些深知其中奥妙的模特儿们也身着这些奇怪轻松的服装在T型台上把自己演绎成一个个闲闲散散走在街头的天真但有点坏的小女孩。另外，解构风格的服装，留给了穿着者发挥自我想像力，进行二度创造的机会。穿着者会在游戏的心情中体会穿衣新概念的乐趣。更重要的是解构服装带给人的，已非仅是服装本身的好看与难看，而是让人们在探索中有新的发现。

消费者对服装设计的要求是在不断变化的。求新颖、求个性是众多服装消费者的目标。解构服装的新鲜性、奇特性吸引了众多年轻一代的消费者。同时过分地追求出其不意的效果也使许多设计者在服装中牵强地寻找和创造着解构。把不该重复的地方莫名其妙地罗列一堆皱褶；在毫无理由的地方胡乱开洞……他们忘记了设计师的职责是始终让他的创作保持尽量的简洁与宁静。古人有训“衣宜薄绵轻葛，不宜华丽粗重”（明龚廷贤《寿世保元》）。人为地把外观搞得错综复杂，结果适得其反，所产生的效果恰恰是累赘和混乱，令人讨厌。

解构主义风格的时装是美也好，是混乱也罢，这股强劲之风愈吹愈猛，日渐盛行却是客观事实。究其缘由，不只是因为设计师们对新孜孜不倦的追求，还因为它绕过了我们常规的观念，从另外一个角度去考虑时装，从一个新的视野去审视和挖掘服装的内涵。设计师和消费者在寻求更广泛的形态美的过程中，在解构风格的时装逆反传统美的理念上找到了结合点。同时也推动了时装向前发展，为服装的整体概念打开了又一席新空间。服装,服饰,服装,时装,搭配,打扮,流行色

文化是朝着多元化的方向发展的，服装作为文化的最直接的外在体现，也应该是多元化的。解构主义之风带着否定和反叛徐徐吹进设计师的思路，徐徐吹进消费者的空间，它会不会上升为时装设计的主流？或者其中包含的某些成分被以后的设计主流所吸收？莫衷一是，尚无定论。我们姑且观之。